Творчество от «А» до «Я»: обзор книги «Главное в истории русского искусства» Марии Швец
Стили, жанры и значимые работы
Рассказываем о трёх важных картинах русских художников с помощью книги «Главное в истории русского искусства». Автор книги Мария Швец – искусствовед, преподаватель истории искусств и основатель образовательного проекта Bermoods. Научными редакторами выступили Татьяна Быковская и Людмила Левицкая. Сильный состав, ценная информация, только главное – без воды.Стили, жанры и значимые работы
Эта книга для тех, кто хочет не заплутать в русском искусстве. Автор книги Мария Швец – искусствовед, преподаватель истории искусств и основатель образовательного проекта Bermoods – рассказывает про 55 выдающихся произведений: пейзажи, портреты и скандальные опыты с обнажённой натурой. Вы узнаете про «хиты» – вроде «Девочки с персиками», познакомитесь с менее известными произведениями и прочитаете про первых художниц, лубок и традиции востока в русской культуре. Увидите главные работы выдающихся художников, известных на весь мир, – от Андрея Рублёва до Казимира Малевича. Путешествуя из эпохи в эпоху, от одной картины к другой, начинаешь понимать, как формировалось искусство в нашей стране. И это захватывает!
Водоём, 1902
Виктор Борисов-Мусатов: холст • темпера • 177 × 216 см • Государственная Третьяковская галерея, Москва
Произведения Виктора Борисова-Мусатова (1870–1905), созданные в последние годы его недолгой жизни, во многом определили эстетику символизма. Его работам чужда современность, но в них нет отсылок к конкретной исторической эпохе – художник создавал живописные образы, словно существующие вне реального времени и пространства.
Картина «Водоём» написана в саду усадьбы Голицыных-Прозоровских, где Борисов-Мусатов гостил вместе с сестрой и невестой, ставшими моделями для его полотна. Однако художник лишь отталкивался от действительности – он стилизовал формы и придал силуэтам мягкие, расплывчатые очертания.
Бо́льшую часть работы занимает изображение водоёма, в зеркале которого отражаются деревья и высокое, светлое небо. Особая техника нанесения темперных красок, через которые проступает фактура холста, делает реальные предметы такими же нематериальными и неосязаемыми, как и отражение в воде. Такой приём задает мотив двоемирия, характерный для произведений символистов: реальность становится похожей на сновидение или воспоминание, где нет чёткой границы между явным и кажущимся.
Женские фигуры на переднем плане не связаны словом или действием – они безмолвны, а их взгляды устремлены в разные стороны. Однако они оказываются элементами единого завораживающего ритма цветовых пятен и линий, выстроенного художником. Так, лишь с помощью средств самой живописи, а не за счёт изображения фантастических существ или героев прошлого, Борисов-Мусатов создает на полотне волшебный, поэтический мир.
Осень. Школа, 1907
Марианна Верёвкина: бумага на картоне • темпера • 71,5 × 89,5 см • Фонд Марианны Веревкиной, Аскона, Швейцария
Эта работа была написана Марианной Веревкиной (1860–1938) вскоре после завершения почти десятилетнего творческого молчания. Все эти годы она посвятила поддержке таланта своего возлюбленного, живописца Алексея Явленского, который, как ей казалось, был намного талантливее её самой. Однако после разочарования в их отношениях 46-летняя художница постепенно вернулась к занятиям искусством – именно тогда и сформировался её собственный стиль.
С середины 1890-х художница постоянно находилась в Европе, где познакомилась с живописью Анри Матисса, Винсента Ван Гога, Поля Гогена и других, а чуть позже сблизилась с немецкими экспрессионистами и Василием Кандинским, который в то время был тесно связан с ними. Эти художественные впечатления нашли отражение в работах Веревкиной второй половины 1900-х, в которых соединились черты новейших западных течений.
Один из главных мотивов её произведений того времени – образ дороги. Он присутствует и в картине «Осень. Школа», на которой изображены девочки-школьницы, идущие парами под присмотром учительницы. Спокойная прогулка на фоне осеннего пейзажа приобретает тревожные черты: колорит работы построен на экспрессивном столкновении огненно-оранжевого, холодного синего и глубокого черного. К тому же художница использовала навязчивое повторение фигур и стволов деревьев, разрезающих полотно по вертикали. Благодаря этому изображение приобрело драматические и даже несколько зловещие интонации.
За завтраком, 1914
Зинаида Серебрякова: холст • масло • 88,5 × 107 см • Государственная Третьяковская галерея, Москва
Работа Зинаиды Серебряковой (1884–1967) «За завтраком» – групповой портрет детей художницы. Самый старший, Шура, уже приступил к еде, а Женя и Тата ещё ждут, пока няня разольет суп по тарелкам. Название этого произведения не ошибочно – в доме Серебряковых утром подавали лёгкую закуску, а в полдень приступали к так называемому большому завтраку, который и изображен на картине.
Сценка кажется спонтанной – детям словно и не пришлось позировать, их образы полны жизни и непосредственности. Каждый из них индивидуален: тихий и мечтательный Женя засмотрелся на стакан с водой, нетерпеливая маленькая Тата ёрзает на стуле, а любознательный Шура обернулся на оклик матери.
Хотя композиция напоминает случайный кадр, она до мелочей продумана художницей. Колорит картины строится на созвучии белых, коричневатых и голубых тонов, а предметы на накрытом скатертью столе объединены игрой солнечных бликов. Серебрякова любовно прописала фактуру каждого предмета, мастерски передавая глянцевую поверхность желтой эмали кувшина, прозрачность стеклянных стенок графина и стаканов, блеск серебряных ложек и глазурованных тарелок.
Работа выходит за рамки как жанровой сцены, так и простого портрета – художница превратила фрагмент повседневной жизни в праздничный и уютный образ детства, наполненного родительской любовью и заботой.
По материалам книги «Главное в истории русского искусства»